Resenha: Monika e o Desejo (1952) Ingmar Bergman

Grande prazer da minha vida é contemplar um filme de Ingmar Bergman. Não pisou e nunca pisará na Terra diretor mais formidável. Jamais. Acho que poderia morrer feliz nesse momento, aqui, escrevendo sobre Bergman e ouvindo Ella Fitzgerald.

Considero Monika e o Desejo (no original é Um Verão Com Monika) uma versão pessimista e amarga de "Juventude", filme anterior do diretor com a mesma temática. Em Juventude, seu filme mais bonito, o gênio sueco conta a história de uma bailarina que retorna às suas memórias e visita o melhor verão de sua vida passado ao lado de seu amor perdido. Em Monika e o Desejo, Bergman só tinha uma idéia e algumas páginas de um roteiro que contava a bela história de um casal formado por dois jovens num verão na Suécia. Ela, Monika, é impetuosa como o mar, de fases como a lua e a sexualidade em pessoa. Monika é o destino frágil de Harry, enquanto Harry é o amor de verão de Monika. A paixão cresce e floresce, mas a inconsequência típica da mocidade os leva a um rumo opressor e é aí que entra o famoso pessimismo de Bergman, transformando seu filme em algo diferente de tudo o que já vi. O verão acaba, e com ele, o amor. É triste, mas é assim que a banda toca com a arredia Monika.

Considerado pelo próprio diretor um de seus mais simples e preferidos filmes (quanta modéstia), a película pode ser considerada absolutamente vanguardista e polêmica até os dias de hoje. Quanta beleza Bergman imprimiu através da fotografia em preto e branco de Gunnar Fischer, produzida nos anos 50, sua fase mais romântica e masoquista dedicada a juventude e suas relações amorosas (logo depois veio o amargo e brilhante Noites de Circo), que foi substituída por uma fase radical na década seguinte, quando filmou o espetacular "Persona" e a trilogia do silêncio. Todos os superlativos são poucos para descrever o gênio e suas obras.

Godard, fã do diretor afirma que Monika e o Desejo é um precursor de "...E Deus Criou a Mulher" de Roger Vadim, contudo prefiro discordar. Primeiro que não há semelhanças roteirísticas entre eles e segundo que o filme de Vadim é por demais vulgar por Brigitte Bardot (não que seja ruim).

Falar dessa pérola e não comentar seu final é fingir que não aconteceu, mas ele está lá e é duro de engolir, pra não dizer injusto e me atrever a contestar a vontade do mestre. No fim, só resta a memória, fazendo-me lembrar de uma frase de minha adolescência: "o que é bom dura o tempo necessário para ser inesquecível."

» Avaliação: 8.0

Resenha: Mat Kearney (2009) City of Black & White

City of Black and White é disco do americano Mat Kearney, primo pobre do John Mayer. Pra se ter uma idéia, City of Black and White é de uma qualidade tão absurda que salta aos olhos na discografia (não que os antigos sejam ruins) do cantor e compositor que arrancou suspiros da crítica que teve o privilégio ouví-lo, aliás um disco tão perfeitinho que enfeitiça logo nas 4 primeiras canções e uma grande razão pra isso é a versatilidade de Mat: "Bem, aqui vamos nós para ele, três anos depois. Você vai me ajudar a sonhar tudo de novo? Cansado da mesma música que todo mundo está cantando."

Se o disco não imprime novidade, o vocal de Kearney (em momentos, tenho a imprenssão que estou ouvindo Chris Martin) é límpido e de bom gosto, somados aos teclados suaves e guitarras acentuadas. Na maioria das vezes sobre o amor, mesmo que a palavra não apareça, suas melodias são capazes de mudar o dia mostrando o que é um disco pop de verdade. Pra deixar John Mayer com vergonha, sem exagero.

» Avaliação: 10.0

Kick-Ass - Quebrando Tudo (2010) Matthew Voughn

Matthew Vaughn deixou a modéstia de lado (o pouco que lhe restava) para filmar com os próprios custos o melhor filme de super-heróis desde Spider-Man (tem The Dark Knight também, mas é reinvenção, não conta). Sim, porque Wacthman foi uma lástima e apesar de Iron-Man ter sido uma grata surpresa da Marvel, Kick-Ass é ousado e arrojado, mas não se anime, nunca inventivo.

Depois de ser rejeitado pelos estúdios (tenho minhas desconfianças que isso é puro marketing), Matthew financiou o próprio grandioso projeto baseado na obra de Mark Millar que se tornou a sensação em terras estrangeiras. No Brasil, não foi a mesma coisa, talvez porque a platéia tupiniquim não se espanta com palavrões ou cenas bizarras. Violência choca gringo, que não sabe sambar e acredita em seus heroís, o que tira um pouco o brilho do filme que tenta ser sério antes hora, moldando heróis que seu argumento desmente.

Dave é mais um no mundo, como o próprio se descreve em narração off. Seus dois únicos amigos, Marty e Todd, idem. Nerds virgens que vivem por falta de opção e levam a vida devorando gibis. Um dia, Dave dá a louca e resolve ser heroí, assim, do nada. Compra uma fantasia na internet, vai à luta e apanha, claro, já que não vivemos em um universo paralelo. Ele se auto denomina Kick-Ass. Tudo vai bem, até que as coisas começam a ganhar contornos mais sérios e o filme quase afunda. Nicholas Cage, firme no propósito de aumentar sua coleção, encara mais um papel babaca e Christopher Mintz-Plasse um personagem indigetso (Red Mist), mas necessário para a amarração do roteiro. Perdoado.

Kick-Ass, o personagem, caminha sem ascenção na trama. Se apaixona, claro, por uma garota que acha que ele é gay (a música tema é do Mika!) e Matthew Voughn, sacana que só ele, faz o personagem entrar na dança. As referências a heróis do passado são inteligentes e a coisa começa a melhorar até que aparece Hit Girl, a única coisa chocante do filme (sem ela, Kick-Ass não existiria). Uma garotinha de aproximadamente 11 anos que quebra tudo, solta uma porrada de palavrões e desafia a gravidade. Começa a diversão que é interrompida vez ou outra por suas falhas até chegar em seus 40 maravilhosos minutos finais que impressionam pela capacidade de salvar tudo. As convicções sobre o que foi assistido até alí começam a mudar e somos embrulhados pela trilha genial e irônica do trio Ilan Eshkeri, Henry Jackman e John Murphy (excelente trabalho, não me canso de elogiar).

Kick-Ass é um filme de caráter irreprochável e honesto que comete erros bobos, perdoáveis. Cenas de ação carregadas do que chamam hoje em dia de anarquismo e uma mistura estética de filme B e graphic novel (o tom está corrretíssimo). Puro entretenimento que contém uma mensagem linda sobre responsabilidade (ajoelhou, tem que rezar) e depois de um final tão bom, acho que uma revisão discipa os tropeços.

» Avaliação: 8.0

Resenha: Ondine (2009) Neil Jordan

Vez ou outra, o diretor Neil Jordan é atacado pela crítica quando engata em um filme comercial. É bem verdade que ele é um diretor intimista que se perde ao tentar vôos mais altos, mas seus filmes comerciais têm o que falta em uma porrada de grandes produções: honestidade. Meu filme preferido do diretor, ironicamente foi o último a que assisti, The Crying Games, e eu até tenho certo carinho por algumas de suas obras esculachadas como Lance de Sorte e Entrevista Com o Vampiro.

Valente, o trabalho anterior, é sua grande bola fora e Ondine veio para corrigir isso. Ao narrar a história de um pescador (Syracuse, Colin Farrel) que pesca uma mulher misteriosa e acaba por acreditar ela ser fruto de sua imaginação, Jordan alcança remição. A filha do protagonista, que sofre de insuficiência renal, acredita que a moça é uma Selkie; criatura aquática meio foca, meio mulher; que é fruto da mitologia irlandesa/escocesa. A vida do cara dá uma sacudida, vida essa nada fácil como de costume nos personagens de Jordan. Essa novidade ao mesmo tempo que lhe traz um renovo, lhe embaralha as idéias. Há 2 anos está longe do alcoolismo, ainda tem que aturar um passado de perdas sofridas.

Mais uma vez a paixão do diretor pela água fala mais alto. Muita água permeia o longa com ares de contos de fada (deixa A Dama na Água de Shyamalan no chinelo). Há citações interessantes de A Branca de Neve e Alice no País das Maravilhas, fazendo tudo se intrincar. Rodado nas paisagens estonteantes e frias da Irlanda (fotografia colírio de Christopher Doyle), terra natal de Jordan, o roteiro escrito por ele próprio se perde um pouco na dissolução do mistério no fim do filme, mas nada que apague o brilho do mesmo.

Assim como no balé de três atos do The Royal Ballet; Ondine, o filme; anda lado a lado com a trilha sonora. Quando Frederick Ashton adaptou o conto mitológico para a dança, em 1958 chamou Hans Werner que compôs uma trilha que é considerada moderna até hoje. Neil Jordan chamou Kjartan Sveinsson e o resultado é plenamente satisfatório. Achei fantástica. Tanto o balé quanto o filme são inspirados no romance "Undine" de Friedrich de La Motte Fouqué. E como não se pode deixar de elogiar as irretocáveis perfomances de todo o elenco, Colin Farrel, que não fica bem de cabelos grandes, foi a escolha certa, com seu sotaque carregadíssimo, para transformar este filme em uma boa surpresa.

No fim, depois de citações literárias de contos fadas, simbologias, muita água e mistério, tem-se o toque de Jordan, que soa brilhante, mas furado (eu escolhi engolir seco). O filme ainda não estreou no Brasil e a Imagem filmes não tem data prevista.

» Avaliação: 8.0

Ficadica: Telecast (2008) Quiet Revolution

No início da semana passada eu estava em abstinência. Precisava de uma banda nova. Recorri ao cenário cristão internacional. Descobri Telecast. A banda americana de indie rock existe desde 2003, mas só conheci agora. Venho despindo esse cd Quiet Revolution (último lançado) a semana inteira e recomendo a qualquer um que curta esse tipo de coisa.

As duas primeiras canções "All Around Me" e "Come Down" são incríveis e o álbum trás o indie rock em toda sua beleza e esplendor. Sensacional.

» MySpace: http://www.myspace.com/telecastmusic

Resenha: O Céu de Suely (2006) Karin Aïnouz

O filme do arquiteto cearense Karin Aïnouz, estrelado por Hermila Guedes, atriz pernambucana de alto calibre que também fez outro excelente filme, Cinema, Aspirinas e Urubus, de Marcelo Gomes, conta com profunda tristeza a história de Hermila, uma garota que volta à cidade natal Iguatu, no Ceará, depois de ter tentado a vida em São Paulo com o namorado. Ele não volta, a abandona com um filho de colo, no calor escaldante de Iguatu, morando de favor na casa da avó e da tia. Seu refrigério são os braços de João, perdidamente apaixonado.

Tendo que se virar pra conseguir dinheiro, ela vende rifa e lava carro. A sensação de abandono não a deixa ser completamente feliz, nem João a faz esquecer isso. Em uma das cenas o filme nos mostra Hermila na beira da estrada procurando o brinco que perdeu enquanto andava de moto com João a caminho do motel. Ela o faz parar para procurar o objeto estapafúrdio perdido, demonstrando que não aceita fácil perder o que lhe pertence.

É lindo ver o leque de opções simbólicas disponíveis para entender o título que foi escolhido dias antes da estréia. É linda a cena que João vai atrás de Hermila para entender seu desprezo a ele. É extraordinário ver como o diretor conseguiu pontuar tão bem os acontecimentos chaves em um filme tão linear, de forma que o tom não mudasse (e a fotografia de Walter Carvalho só embeleza tudo). É lindo o filme inteiro, cada fotograma.

Premiadíssimo (melhor filme, diretor e atriz no Festival do Rio 2006), O Céu de Suely é um dos melhores filmes nacionais da década, representante da fase intimista de dramas particulares e/ou sociais no cinema nacional que nos últimos... sei lá, 2 anos, tem feito falta.

Como diz Jorge Furtado: "Quem diz que não gosta de cinema brasileiro tá falando besteira". O filme de Karin Aïnouz explica o por quê.

» Avaliação: 9.0

Resenha: Maus Hábitos (1983) Pedro Almodóvar

Ingmar Bergman deveria ser canonizado (certeza que ele não iria gostar). São Bergman, protetor dos cinéfilos. Quem me conhece sabe que depois dele, Almodóvar é minha segunda paixão e o diretor espanhol já expressou sua admiração ao gênio sueco no incrível "De Salto Alto", onde ele chupa a idéia de "Sonata de Outono", filmaço de Bergman que lhe rendeu o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro e o Oscar de melhor atriz para Ingrid Bergman.

Adoro quando Almodóvar se mete a criticar a religião (coisa que Bergman fez muito). Em "Fale Com Ela", que deu ao diretor uma porrada de prêmios incluindo o Oscar de melhor roteiro orginal, ele escreveu uma de suas frases geniais: "Acendi umas velas, ter fé dá muito trabalho."

Nesse Entre Tinieblas (algo como "Nas Trevas"), o diretor se debruça sobre o tema e mete o pau: uma cantora de puteiros procurada pela polícia depois da morte por overdose do namorado, se refugia num convento que cuida de jovens "perdidas" jogado às moscas (ninguém mais quer ser salvo) chamado "Redentoras Humilhadas". Como estamos falando de Almodóvar, bizarrices mil completam a trama: cada freira tem um nome chulo para demonstrar humildade (nomes do tipo Irmã Rata, Irmã Víbora, Irmã Esterco...). A Madre Superiora usa heroína e é sapatão (morre de tesão pela contora), outra escreve romances obcenos sob um pseudônimo, entre outros esculachos. As freiras também criam um tigre (!) domesticado que serve de metáfora para a situação das mesmas. Um emaranhado almodovariano de chocar qualquer liberal.

Feito na década de 80, o visual grunge e cafona estão lá, mas a música é espetucular. As atrizes fetiches do diretor também marcam presença, Carmen Maura e Marisa Paredes sempre impecáveis. Maus Hábitos é um grande filme de Almodóvar que repetiu o tema de forma muito mais escancarada e refinada em "Má Educação" 21 anos depois.

Os tempos são outros. Hoje, o diretor já experiente (mas não menos venenoso) explora toda a sensibilidade do seu talento em obras como o fundamental "Volver" e o maravilhoso e incompreendido "Abraços Partidos", seu último trabalho lançado.

Seja na comédia, no drama, na trama policial (ele sempre flerta com o noir), Almodóvar, autor, sempre redige roteiros inteligentes, afiados e sensíveis, mesmo que na prática ele dê umas escorregadas vez ou outra.

» Avaliação: 8.0